En este vídeo vemos como se puede avanzar poco a poco en el dibujo para mejorar. No es cuestión de talento, es cuestión de seguir los pasos adecuados y la práctica de la medición y proporción correcta.

En este vídeo conocemos cuáles son las estrategias de dibujo que podemos utilizar para resolver nuestros dibujos partiendo de una fotografía sin necesidad de regla.

Aplicamos lo aprendido en las sesiones anteriores partiendo de referencias fotográficas.

Vamos a ver un poco de teoría sobre valoración tonal, o lo que es lo mismo, luces y sombras que nos ayudan a aportar volumen y realismo a nuestras obras. Es la clase teórica más importante porque sobre ésta se sustenta todo lo que viene.

¡No te la pierdas y pon atención! ¡Vamos a por ello!

Practicamos la valoración tonal partiendo de referencias fotográficas. Continuamos los dibujos que empezamos a grafito, ahora aplicando luces y sombras de manera coherente.

En esta lección seguimos con teoría, esta vez aprendemos que es un borde blando y un borde duro y la perspectiva atmosférica. Si aplicamos el aprendizaje de esta clase en nuestras obras conseguiremos resultados mucho más óptimos y aún más realistas y con sentido.

Practicamos los bordes y blandos con grafito para asentar la nueva teoría aprendida.

¿Y si en vez de dibujar las cosas como estamos acostumbrados, dibujamos el vacío que generan? ¿Sirve esto de verdad para mejorar en el dibujo? ¡Cambia tu percepción de las cosas y dibuja mejor!

Vamos a dibujar sillas de una manera que nunca has visto. ¡A ver qué tal se nos da!

Unimos el curso completo de pintura y dibujo con los de acuarela. ¿Para qué? Pues para que puedas seguir avanzando y en cuanto nos pongamos a aprender sobre color tengas un material accesible para seguir aprendiendo más teoría.

En este vídeo tienes una lista básica pero muy completa de los materiales que necesitarás y la explicación sobre cada uno, para que entiendas el porqué de esta selección.

¡Empezamos a practicar! Vamos a entender cómo reacciona nuestra acuarela, controlar las cantidades de pigmento y agua y la pincelada para que resulten obras satisfactorias.

Aplicamos lo aprendido en la clase teórica de valoración tonal en un ejercicio práctico. Te explico como preparar la referencia fotográfica antes de ponerte a pintar para facilitarte el trabajo y a aplicar la acuarela de la manera más fácil, trabajando por capas.

Aplicamos lo aprendido en la clase teórica de bordes en un ejercicio práctico. Te explico como trabajar con la acuarela con borde blando y duro, o lo que es lo mismo, trabajando sobre húmedo o sobre seco, dando un poco de libertad al agua, pero también aprendiendo a ganar control sobre la obra en lo posible.

Te explico como aplicar la perspectiva atmosférica y el borde blando y duro, trabajando sobre húmedo o sobre seco para conseguir paisajes que funcionan, con sensación de profundidad.

En esta lección vamos a entender cómo funciona la perspectiva cónica para poder dibujar paisajes de manera correcta. En este vídeo veremos los diferentes tipos de perspectiva para que cuando te encuentres con una vista concreta sepas identificarla.

Este vídeo es muy teórico, pero es necesaria su visualización al igual que el siguiente vídeo para dibujar la perspectiva coherentemente.

En este vídeo vemos cómo debemos estudiar una imagen antes de ponernos a dibujarla para que parezca lo más fiel a la original, que la persona que vea nuestras obras tenga sensación de que funciona y es correcta aunque no la hayamos “calcado” exactamente.

Avanzamos un poco más de teoría para poder pintar a todo color y con sentido. Aprenderemos a facilitarnos mucho el trabajo entendiendo como funcionan las luces y las sombras, cómo afectan a los elementos y cómo debemos aplicarlas para que nuestra obra funcione de la mejor manera, sin frustrarnos no complicarnos la vida de más.

¡Atiende porque es importante, no te pierdas esta clase!

Aplicamos lo aprendido en la lección teórica anterior. Aplicamos color, luces y sombras de manera ordenada, buscando un sistema que nos sirva para ejecutar la mayoría de obras resultando satisfactorias.

Si tienes problemas a la hora de entender las mezclas de color, aquí tienes la solución. Te dejo la rueda de colores Moriarty y una explicación de cómo utilizarla.

Para saber dónde se encuentras los pigmentos de nuestra paleta en el círculo cromático y mezclar colores de manera más coherente debemos practicar con ellos. Este círculo está pensado para la paleta de St. Petersburg/ White Nights Sonnet, pero el mismo trabajo se debería hacer con cualquier paleta de colores, sólo habrá que echar un ratito más percibiendo y decidiendo dónde colocar cada color.

Continuamos trabajando con el círculo cromático, esta vez haciendo mezclas para conseguir nuestros colores desaturados y creando de nuevo un círculo cromático sólo utilizando 6 colores, los mínimos de nuestra paleta para conseguir todos los demás de la misma.

¿Qué son las gamas cromáticas? ¿Cómo podemos implementarlas en nuestras obras? Primero un poco de teoría para continuar con la práctica.

Practicamos a hacer diferentes gamas cromáticas con acuarela.

Nos ponemos manos a la obra y esta vez aplicamos lo aprendido sobre gamas de color a unas pequeñas obritas. Hacemos pruebas de color antes de desarrollar obras de mayor tamaño.

Descubrimos la paleta reducida de Zorn, que consta de sólo 3 colores cuando trabajamos en acuarela.

Ya veréis que aunque son pocos colores, el resultado es óptimo si sabemos trabajar con ella.

Seguimos practicando y entendiendo más sobre la paleta de Zorn en el siguiente ejercicio práctico.

Trabajamos con la paleta de Zorn un paisaje urbano. Además de utilizar la paleta reducida hay que intentar aplicar todo lo aprendido anteriormente: valoración tonal, bordes, perspectiva atmosférica, color, luces y sombras. Así la obra cobrará sentido.

Nos metemos de lleno en el estudio de composición, algo muy importante para que nuestras obras sean atractivas visualmente. Ya no trabajamos intuitivamente, sabemos por qué una obra funciona o no.

Continuamos con el estudio de la composición. Introducimos el estudio del contraste, marcos y caminos, el lenguaje de las formas, los puntos de vista, profundidad, comentamos algunas trampas y la importancia de que la obra tenga una estructura coherente y legible.

Introducimos el concepto de unidad con variedad para generar obras más interesantes. Ni todo puede ser unidad, aburrido, ni todo puede ser variedad, caótico. Hay que buscar el equilibrio entre ambos conceptos.

Comprobamos la importancia del trabajo de valoración tonal para crear imágenes atractivas y con un enfoque claro. Buena valoración tonal es igual a buena estructura.

Utilizando lo recien aprendido, vamos a hacer unos collages a partir de formas geométricas teniendo en cuenta la valoración tonal, el color y el equilibrio visual.

Continuamos practicando la composición a través de la simplificación, el trabajo de valoración tonal clara, con muy poquitos valores pero que funcionen.

Ahora vamos a por el color. A partir del trabajo de valoración tonal, ahora aplicamos color de manera coherente.

Métete en los ajustes de tu cámara y pon la opción de cuadrícula o guías. Aparecerá la famosa regla de los tercios que podrás utilizar para sacar mejores fotos que podrás usar como referencia para tus obras.

A partir de una de las fotografías que hemos tomado trabajamos únicamente la valoración tonal para después, a partir de ese trabajo, hacer una obra a color. Los colores los eligiremos nosotros sin fijarnos en la fotografía e intentaremos que la obra quede realista y coherente.

¿Qué es el dibujo gestual? Continuamos dibujando cada vez más (y mejor), practicando la retentiva, la expresión y legibilidad a la vez que parte de anatomía.

Comenzamos a practicar el dibujo gestual con la línea de acción. Creamos dibujos muy sencillos, una síntesis total de las imágenes de los modelos que vamos representando.

Ahora partimos de la mancha o la forma para, en un siguiente repaso al vídeo, empezar a matizar siluetas dentro de la misma.

Después de entrenar la línea de acción y la forma pasamos ya a dibujar siluetas a partir de poses de 1 minuto.

Tenemos que conocer las medidas y proporciones correctas para pintar o dibujar un ser humano y/o su cabeza en condiciones. Así que aquí os traigo todo lo que hay que saber. Tanto para dibujar como para hacer una cabecita en escultura.

Seguimos pintando teniendo en cuenta la luz y la sombra pero esta vez aplicado a personajes. ¡No son tan difíciles si tomamos algunas medidas de referencia para dibujarlos!

Damos un pasito más y aplicamos lo aprendido sobre anatomía y dibujo esta vez utilizando el acrílico como técnica para factilitar las correcciones. Toma el tiempo que necesites y haz las correcciones que veas pertinentes, no le tengas miedo al acrílico que es muy versátil.

Nos atrevemos a pintar el cuerpo entero. Igual que hicimos con las cabezas, esta vez vamos a pintar estudios del cuerpo humano en acrílico, sacando el máximo partido a la obra con muy poquitos valores tonales.